Este documento discute las diferencias entre los violines barrocos y modernos, y si la música de Mozart debe tocarse con instrumentos originales de la época o con instrumentos modernos. Explica que los violines de Mozart fueron modificados posteriormente para adaptarse a la música sinfónica cambiante, y que la mayoría de violines construidos en el siglo XVIII también fueron adaptados. Argumenta que la transición del violín barroco al moderno no fue lineal, y que la práctica común de "modernizar" los violines antiguos camb
El documento describe la evolución de la orquesta desde Beethoven hasta finales del siglo XIX. Beethoven expandió el tamaño y rol de la orquesta para expresar mejor sus ideas musicales expansivas. Compositores posteriores como Berlioz y Wagner continuaron ampliando la orquesta e introdujeron nuevos instrumentos. Esto llevó a la orquesta moderna con una gran variedad de instrumentos y sonidos.
Este documento resume el Romanticismo y la obra de Franz Schubert, incluyendo su Sinfonía No. 8 llamada "Inacabada". También define una sinfonía, las voces masculinas y la orquesta sinfónica, explicando que está compuesta por instrumentos de cuerda, viento y percusión y dirigida por un director.
El documento describe la historia y evolución de los timbales como instrumento musical. Comenzó siendo usado en África e India para rituales y actos religiosos y llegó a Europa durante las cruzadas. Compositores como Bach, Haendel, Haydn y Mozart comenzaron a incorporarlos en la orquesta sinfónica. Berlioz revolucionó su uso en la orquesta con varios intérpretes y timbales. En el siglo XIX se desarrollaron innovaciones técnicas como los timbales giratorios y de pedal que permitieron nue
La orquesta evolucionó desde el Barroco hasta el siglo XX, incorporando nuevos instrumentos y ensambles. En el Barroco, las orquestas variaban en tamaño y se encontraban en cortes reales, iglesias e instituciones. En la era Clásica, los instrumentos se especificaron y la orquesta sinfónica se consolidó. En el Romanticismo, las orquestas crecieron y compositores exploraron nuevos colores. En el siglo XX, la orquesta se amplió aún más con instrumentos de percusión e innovaciones eléct
La tiorba es un instrumento musical parecido al laúd barroco pero más grande, con dos mástiles y ocho cuerdas adicionales sin trastes para los bajos. Apareció en Italia a finales del siglo XVI y se usaba comúnmente en el bajo continuo junto con el órgano, satisfaciendo plenamente las necesidades musicales hasta mediados del siglo XVII. El bajo continuo es una técnica de composición y ejecución propia del período barroco donde el compositor crea la voz de bajo pero no espec
La orquesta se refiere originalmente al espacio frente al escenario en teatros griegos donde se ubicaban los cantantes y bailarines. Hoy se refiere a un conjunto de instrumentos musicales y músicos que los ejecutan. Una orquesta típica incluye secciones de cuerdas, viento madera, viento metal y percusión, y está dirigida por un director.
La orquesta es una agrupación instrumental compuesta por instrumentos de cuerda, viento madera, viento metal y percusión. Originariamente se refería al espacio donde se situaban los músicos en la antigua Grecia, pero en el siglo XVII pasó a designar al conjunto de instrumentistas. En el Barroco no había un director, sino que el primer violín marcaba el tempo. En el Clasicismo la orquesta se consolidó con instrumentos como los clarinetes. En el Romanticismo se amplió la sección de metales y percusión.
Las principales aportaciones de Theobald Boehm al campo de la fabricación de flautas fueron introducir un cuerpo cilíndrico en lugar del cónico tradicional y desarrollar un innovador sistema de llaves que mejoró la ergonomía del instrumento permitiendo posicionar los orificios de forma óptima desde el punto de vista acústico. Estos cambios dieron como resultado una flauta más fácil de tocar con una tesitura superior.
El documento describe la evolución de la orquesta desde Beethoven hasta finales del siglo XIX. Beethoven expandió el tamaño y rol de la orquesta para expresar mejor sus ideas musicales expansivas. Compositores posteriores como Berlioz y Wagner continuaron ampliando la orquesta e introdujeron nuevos instrumentos. Esto llevó a la orquesta moderna con una gran variedad de instrumentos y sonidos.
Este documento resume el Romanticismo y la obra de Franz Schubert, incluyendo su Sinfonía No. 8 llamada "Inacabada". También define una sinfonía, las voces masculinas y la orquesta sinfónica, explicando que está compuesta por instrumentos de cuerda, viento y percusión y dirigida por un director.
El documento describe la historia y evolución de los timbales como instrumento musical. Comenzó siendo usado en África e India para rituales y actos religiosos y llegó a Europa durante las cruzadas. Compositores como Bach, Haendel, Haydn y Mozart comenzaron a incorporarlos en la orquesta sinfónica. Berlioz revolucionó su uso en la orquesta con varios intérpretes y timbales. En el siglo XIX se desarrollaron innovaciones técnicas como los timbales giratorios y de pedal que permitieron nue
La orquesta evolucionó desde el Barroco hasta el siglo XX, incorporando nuevos instrumentos y ensambles. En el Barroco, las orquestas variaban en tamaño y se encontraban en cortes reales, iglesias e instituciones. En la era Clásica, los instrumentos se especificaron y la orquesta sinfónica se consolidó. En el Romanticismo, las orquestas crecieron y compositores exploraron nuevos colores. En el siglo XX, la orquesta se amplió aún más con instrumentos de percusión e innovaciones eléct
La tiorba es un instrumento musical parecido al laúd barroco pero más grande, con dos mástiles y ocho cuerdas adicionales sin trastes para los bajos. Apareció en Italia a finales del siglo XVI y se usaba comúnmente en el bajo continuo junto con el órgano, satisfaciendo plenamente las necesidades musicales hasta mediados del siglo XVII. El bajo continuo es una técnica de composición y ejecución propia del período barroco donde el compositor crea la voz de bajo pero no espec
La orquesta se refiere originalmente al espacio frente al escenario en teatros griegos donde se ubicaban los cantantes y bailarines. Hoy se refiere a un conjunto de instrumentos musicales y músicos que los ejecutan. Una orquesta típica incluye secciones de cuerdas, viento madera, viento metal y percusión, y está dirigida por un director.
La orquesta es una agrupación instrumental compuesta por instrumentos de cuerda, viento madera, viento metal y percusión. Originariamente se refería al espacio donde se situaban los músicos en la antigua Grecia, pero en el siglo XVII pasó a designar al conjunto de instrumentistas. En el Barroco no había un director, sino que el primer violín marcaba el tempo. En el Clasicismo la orquesta se consolidó con instrumentos como los clarinetes. En el Romanticismo se amplió la sección de metales y percusión.
Las principales aportaciones de Theobald Boehm al campo de la fabricación de flautas fueron introducir un cuerpo cilíndrico en lugar del cónico tradicional y desarrollar un innovador sistema de llaves que mejoró la ergonomía del instrumento permitiendo posicionar los orificios de forma óptima desde el punto de vista acústico. Estos cambios dieron como resultado una flauta más fácil de tocar con una tesitura superior.
La flauta de cristal fue inventada en 1806 por Claude Laurent, un relojero francés que ganó una medalla de plata por su flauta de cristal en la Exposición Industrial de París. Fue el primer instrumento musical presentado en dicha exhibición. Las flautas de cristal de Laurent producían un sonido puro y diáfano, y fueron populares entre la aristocracia europea. Una de estas flautas fue regalada al pintor mexicano Pelegrín Clavé en el siglo XIX y todavía se
La orquesta sinfónica está compuesta por más de 100 músicos que tocan diferentes instrumentos, incluyendo cuerdas, vientos de madera, vientos de metal y percusión. Los instrumentos se organizan en secciones y se colocan en un orden específico en el escenario dependiendo de su volumen. La orquesta sinfónica interpreta obras como sinfonías y conciertos, donde todos los instrumentos participan o hay un instrumento solista respectivamente. El director guía a la orquesta interpretando la partitura de acuerdo a la visión del compositor.
El documento resume la vida y obra de Domenico Scarlatti, compositor italiano del siglo XVIII. Nació en Nápoles y fue hijo del también compositor Alessandro Scarlatti. Pasó gran parte de su vida en la corte portuguesa y española, donde compuso más de 500 sonatas para clavecín, que introdujeron elementos de la música folclórica ibérica. Sus sonatas se caracterizan por su formato de un solo movimiento y por el uso frecuente de efectos técnicos para clave.
Niccolò Paganini fue el violinista más famoso y extraordinario de todos los tiempos. Dominó técnicas como tocar con una sola cuerda y realizar pasajes complejos. Su habilidad influyó en compositores posteriores como Liszt, Brahms y Rachmaninov. Paganini revolucionó el arte de tocar el violín y compuso obras maestras como los 24 Caprichos para violín solo.
Este documento describe las características básicas de una orquesta, incluyendo su estructura, tipos de instrumentos, y roles. Una orquesta típica está compuesta de cuerdas, maderas, metales y percusión, y dirigida por un director que marca el tempo y dinámica usando una batuta. El documento también distingue entre orquestas de cámara, sinfónicas y juveniles.
Este documento presenta preguntas y respuestas sobre la música del período barroco. Explica que el barroco abarca los siglos XVII y XVIII, e identifica a compositores clave como Vivaldi, Bach, Händel, Purcell, Lully y Schütz. También describe géneros musicales importantes como la ópera, el oratorio, el concierto y la música sacra y profana. Finalmente, compara la música de la Edad Media, el Renacimiento y el Barroco.
La espineta es un instrumento musical renacentista de cuerda pulsada similar al clavicordio pero más pequeño, con una sola cuerda por tecla. Recibe su nombre del constructor italiano Giovanni Spinetti. Existen dos tipos principales: la espineta inglesa, de contorno en forma de ala de pájaro, y la espineta italiana, que podía ser poligonal o travesera. El compositor Gioacchino Rossini aprendió a tocar la espineta de niño.
Este documento presenta la introducción a un curso de análisis musical sobre las formas musicales clásicas y románticas. El curso explorará formas como la unipartita, binaria y ternaria a través del análisis de obras representativas. Los estudiantes aprenderán herramientas de análisis y desarrollarán habilidades a través de talleres y evaluaciones.
Evolución de la orquesta del barroco al s. xx jjmarianmusic
Este documento describe la evolución de la orquesta desde la época barroca hasta el siglo XX. Resalta cómo los instrumentos y la composición de la orquesta cambiaron a través de los siglos para adaptarse a nuevos estilos musicales y escenarios. También destaca la incorporación de nuevos instrumentos como el saxofón y la ampliación de la percusión en el siglo XX.
En el Barroco hubo grandes avances en la música instrumental, igualándose en importancia a la vocal. Los instrumentos como el violín, la flauta y el oboe mejoraron técnicamente, y el clave y el órgano se hicieron populares. Surgió la orquesta moderna, con secciones de cuerda, madera y metal. Formas musicales como la fuga, la suite y la sonata florecieron, con compositores destacados como Bach y Vivaldi.
Los dos rasgos identificadores de la música barroca son el contraste y el uso del contrapunto, en el que un tema se presenta sucesivamente en distintas voces de manera imitativa. Las tres máximas aportaciones musicales del Barroco fueron la suite, el concierto y la ópera. La suite barroca consistía en un número indeterminado de piezas en la misma tonalidad y de ritmos contrastantes, mientras que el concierto barroco tenía tres movimientos y podía ser grosso, con varios instrumentos solistas, o a solo, con un
La orquesta ha evolucionado desde sus orígenes en la antigua Grecia hasta convertirse en la agrupación instrumental compleja de hoy en día. En el siglo XVII comenzó a tomar forma la orquesta barroca con instrumentos definidos pero sin un director. En el siglo XIX surgió la figura del director como líder indispensable de la orquesta con el aumento de su tamaño y complejidad. Grandes directores como Toscanini, Karajan y Baremboim marcaron la evolución de la orquesta en los siglos XX y XXI.
El documento describe diferentes tipos de agrupaciones musicales, incluyendo orquestas sinfónicas, orquestas de cámara, orquestas filarmónicas, bandas de música y agrupaciones musicales más pequeñas como tríos y cuartetos. También define el término "concertista" como un músico que realiza conciertos como solista o dirige y acompaña conciertos.
El clave y el clavicordio son instrumentos musicales de teclado con cuerdas pulsadas que fueron populares durante los períodos renacentista y barroco. El clave tenía varias teclas conectadas a la misma cuerda, mientras que el clavicordio tenía una cuerda por tecla, produciendo un sonido más suave. Estos instrumentos fueron reemplazados por el pianoforte a medida que la música clásica ganaba popularidad, pero fueron revividos en el siglo XX.
El documento presenta información sobre la Sinfonía Fantástica de Héctor Berlioz. Brevemente describe el contexto romántico francés en el que se creó la obra y destaca a Berlioz como pionero de la música de programa. Explica que la Sinfonía Fantástica fue inspirada por el amor no correspondido de Berlioz hacia la actriz Harriet Smithson. Finalmente, el análisis se enfocará en el cuarto movimiento, utilizando gráficos para ilustrar aspectos musicales como la instrumentación, melod
El documento resume el período musical conocido como Clasicismo, que abarca desde aproximadamente 1750 hasta 1820. Se caracterizó por una mayor racionalidad y estructura en la música en reacción al Barroco. Compositores clave fueron Haydn, Mozart y Beethoven. Las formas musicales dominantes fueron la sonata, la sinfonía y el concierto, las cuales se basaban en tres o cuatro movimientos con una estructura similar de exposición, desarrollo y recapitulación.
Niccolò Paganini fue un virtuoso violinista y compositor italiano nacido en 1782 en Génova. Fue considerado uno de los mejores violinistas de su época debido a su técnica innovadora y dominio del instrumento. Compuso seis conciertos para violín y numerosas obras que involucraban la guitarra. Su salud se deterioró en sus últimos años debido a un cáncer de laringe y el tratamiento con mercurio para la sífilis, falleciendo en 1840.
El documento proporciona información sobre la historia y los instrumentos de una orquesta sinfónica. Explica el desarrollo de la orquesta entre los siglos XVI y XVIII y cómo su tamaño aumentó a lo largo de los siglos. Luego describe cada familia de instrumentos, incluidas las cuerdas, maderas, metales y percusión, y brinda detalles sobre características y historia de instrumentos individuales como el violín, oboe, trompeta y trombón.
El documento describe brevemente la historia del violín y destaca a Niccolo Paganini como uno de los violinistas más famosos. Paganini nació en Génova en 1782 y se convirtió en un virtuoso del violín conocido por su técnica asombrosa y habilidad para tocar obras de gran dificultad. Compuso numerosas obras para violín solo y creó una reputación como uno de los mejores intérpretes de su época.
Los Instrumentos De La Sinfonica 2, Finalluis perez
El documento proporciona información sobre la historia y los instrumentos de una orquesta sinfónica. Explica que la orquesta se desarrolló entre 1600 y 1750 y ha ido creciendo en tamaño a lo largo de los siglos. Luego describe cada familia de instrumentos, incluyendo cuerdas, vientos de madera, metales y percusión, y brinda detalles sobre características y historia de instrumentos individuales como el violín, oboe, trompeta y batería.
El documento describe la historia del violín desde sus orígenes hasta el presente. El violín evolucionó a partir de instrumentos de cuerda frotada como el laúd y el rebab que se difundieron en Europa durante la Edad Media. En el siglo XVI apareció el violín moderno y ciudades italianas como Cremona se hicieron famosas por sus fabricantes de violines, entre ellos Andrea Amati, Giuseppe Guarneri y Antonio Stradivari. En la actualidad, el violín se ha difundido por todo el mundo y es un instrumento protagonista
La orquesta barroca estaba compuesta de instrumentos variables según la disponibilidad. La orquesta de Monteverdi para su obra Orfeo incluía instrumentos como claves, violas, arpas, violines y trompetas. Para el periodo clásico, la orquesta consistía típicamente en cuerdas, oboes, trompas y timbales, aunque fue incorporando otros instrumentos como flautas y trompetas. En el siglo XIX, Mahler y Strauss dirigieron grandes orquestas con una amplia gama de instrumentos.
La flauta de cristal fue inventada en 1806 por Claude Laurent, un relojero francés que ganó una medalla de plata por su flauta de cristal en la Exposición Industrial de París. Fue el primer instrumento musical presentado en dicha exhibición. Las flautas de cristal de Laurent producían un sonido puro y diáfano, y fueron populares entre la aristocracia europea. Una de estas flautas fue regalada al pintor mexicano Pelegrín Clavé en el siglo XIX y todavía se
La orquesta sinfónica está compuesta por más de 100 músicos que tocan diferentes instrumentos, incluyendo cuerdas, vientos de madera, vientos de metal y percusión. Los instrumentos se organizan en secciones y se colocan en un orden específico en el escenario dependiendo de su volumen. La orquesta sinfónica interpreta obras como sinfonías y conciertos, donde todos los instrumentos participan o hay un instrumento solista respectivamente. El director guía a la orquesta interpretando la partitura de acuerdo a la visión del compositor.
El documento resume la vida y obra de Domenico Scarlatti, compositor italiano del siglo XVIII. Nació en Nápoles y fue hijo del también compositor Alessandro Scarlatti. Pasó gran parte de su vida en la corte portuguesa y española, donde compuso más de 500 sonatas para clavecín, que introdujeron elementos de la música folclórica ibérica. Sus sonatas se caracterizan por su formato de un solo movimiento y por el uso frecuente de efectos técnicos para clave.
Niccolò Paganini fue el violinista más famoso y extraordinario de todos los tiempos. Dominó técnicas como tocar con una sola cuerda y realizar pasajes complejos. Su habilidad influyó en compositores posteriores como Liszt, Brahms y Rachmaninov. Paganini revolucionó el arte de tocar el violín y compuso obras maestras como los 24 Caprichos para violín solo.
Este documento describe las características básicas de una orquesta, incluyendo su estructura, tipos de instrumentos, y roles. Una orquesta típica está compuesta de cuerdas, maderas, metales y percusión, y dirigida por un director que marca el tempo y dinámica usando una batuta. El documento también distingue entre orquestas de cámara, sinfónicas y juveniles.
Este documento presenta preguntas y respuestas sobre la música del período barroco. Explica que el barroco abarca los siglos XVII y XVIII, e identifica a compositores clave como Vivaldi, Bach, Händel, Purcell, Lully y Schütz. También describe géneros musicales importantes como la ópera, el oratorio, el concierto y la música sacra y profana. Finalmente, compara la música de la Edad Media, el Renacimiento y el Barroco.
La espineta es un instrumento musical renacentista de cuerda pulsada similar al clavicordio pero más pequeño, con una sola cuerda por tecla. Recibe su nombre del constructor italiano Giovanni Spinetti. Existen dos tipos principales: la espineta inglesa, de contorno en forma de ala de pájaro, y la espineta italiana, que podía ser poligonal o travesera. El compositor Gioacchino Rossini aprendió a tocar la espineta de niño.
Este documento presenta la introducción a un curso de análisis musical sobre las formas musicales clásicas y románticas. El curso explorará formas como la unipartita, binaria y ternaria a través del análisis de obras representativas. Los estudiantes aprenderán herramientas de análisis y desarrollarán habilidades a través de talleres y evaluaciones.
Evolución de la orquesta del barroco al s. xx jjmarianmusic
Este documento describe la evolución de la orquesta desde la época barroca hasta el siglo XX. Resalta cómo los instrumentos y la composición de la orquesta cambiaron a través de los siglos para adaptarse a nuevos estilos musicales y escenarios. También destaca la incorporación de nuevos instrumentos como el saxofón y la ampliación de la percusión en el siglo XX.
En el Barroco hubo grandes avances en la música instrumental, igualándose en importancia a la vocal. Los instrumentos como el violín, la flauta y el oboe mejoraron técnicamente, y el clave y el órgano se hicieron populares. Surgió la orquesta moderna, con secciones de cuerda, madera y metal. Formas musicales como la fuga, la suite y la sonata florecieron, con compositores destacados como Bach y Vivaldi.
Los dos rasgos identificadores de la música barroca son el contraste y el uso del contrapunto, en el que un tema se presenta sucesivamente en distintas voces de manera imitativa. Las tres máximas aportaciones musicales del Barroco fueron la suite, el concierto y la ópera. La suite barroca consistía en un número indeterminado de piezas en la misma tonalidad y de ritmos contrastantes, mientras que el concierto barroco tenía tres movimientos y podía ser grosso, con varios instrumentos solistas, o a solo, con un
La orquesta ha evolucionado desde sus orígenes en la antigua Grecia hasta convertirse en la agrupación instrumental compleja de hoy en día. En el siglo XVII comenzó a tomar forma la orquesta barroca con instrumentos definidos pero sin un director. En el siglo XIX surgió la figura del director como líder indispensable de la orquesta con el aumento de su tamaño y complejidad. Grandes directores como Toscanini, Karajan y Baremboim marcaron la evolución de la orquesta en los siglos XX y XXI.
El documento describe diferentes tipos de agrupaciones musicales, incluyendo orquestas sinfónicas, orquestas de cámara, orquestas filarmónicas, bandas de música y agrupaciones musicales más pequeñas como tríos y cuartetos. También define el término "concertista" como un músico que realiza conciertos como solista o dirige y acompaña conciertos.
El clave y el clavicordio son instrumentos musicales de teclado con cuerdas pulsadas que fueron populares durante los períodos renacentista y barroco. El clave tenía varias teclas conectadas a la misma cuerda, mientras que el clavicordio tenía una cuerda por tecla, produciendo un sonido más suave. Estos instrumentos fueron reemplazados por el pianoforte a medida que la música clásica ganaba popularidad, pero fueron revividos en el siglo XX.
El documento presenta información sobre la Sinfonía Fantástica de Héctor Berlioz. Brevemente describe el contexto romántico francés en el que se creó la obra y destaca a Berlioz como pionero de la música de programa. Explica que la Sinfonía Fantástica fue inspirada por el amor no correspondido de Berlioz hacia la actriz Harriet Smithson. Finalmente, el análisis se enfocará en el cuarto movimiento, utilizando gráficos para ilustrar aspectos musicales como la instrumentación, melod
El documento resume el período musical conocido como Clasicismo, que abarca desde aproximadamente 1750 hasta 1820. Se caracterizó por una mayor racionalidad y estructura en la música en reacción al Barroco. Compositores clave fueron Haydn, Mozart y Beethoven. Las formas musicales dominantes fueron la sonata, la sinfonía y el concierto, las cuales se basaban en tres o cuatro movimientos con una estructura similar de exposición, desarrollo y recapitulación.
Niccolò Paganini fue un virtuoso violinista y compositor italiano nacido en 1782 en Génova. Fue considerado uno de los mejores violinistas de su época debido a su técnica innovadora y dominio del instrumento. Compuso seis conciertos para violín y numerosas obras que involucraban la guitarra. Su salud se deterioró en sus últimos años debido a un cáncer de laringe y el tratamiento con mercurio para la sífilis, falleciendo en 1840.
El documento proporciona información sobre la historia y los instrumentos de una orquesta sinfónica. Explica el desarrollo de la orquesta entre los siglos XVI y XVIII y cómo su tamaño aumentó a lo largo de los siglos. Luego describe cada familia de instrumentos, incluidas las cuerdas, maderas, metales y percusión, y brinda detalles sobre características y historia de instrumentos individuales como el violín, oboe, trompeta y trombón.
El documento describe brevemente la historia del violín y destaca a Niccolo Paganini como uno de los violinistas más famosos. Paganini nació en Génova en 1782 y se convirtió en un virtuoso del violín conocido por su técnica asombrosa y habilidad para tocar obras de gran dificultad. Compuso numerosas obras para violín solo y creó una reputación como uno de los mejores intérpretes de su época.
Los Instrumentos De La Sinfonica 2, Finalluis perez
El documento proporciona información sobre la historia y los instrumentos de una orquesta sinfónica. Explica que la orquesta se desarrolló entre 1600 y 1750 y ha ido creciendo en tamaño a lo largo de los siglos. Luego describe cada familia de instrumentos, incluyendo cuerdas, vientos de madera, metales y percusión, y brinda detalles sobre características y historia de instrumentos individuales como el violín, oboe, trompeta y batería.
El documento describe la historia del violín desde sus orígenes hasta el presente. El violín evolucionó a partir de instrumentos de cuerda frotada como el laúd y el rebab que se difundieron en Europa durante la Edad Media. En el siglo XVI apareció el violín moderno y ciudades italianas como Cremona se hicieron famosas por sus fabricantes de violines, entre ellos Andrea Amati, Giuseppe Guarneri y Antonio Stradivari. En la actualidad, el violín se ha difundido por todo el mundo y es un instrumento protagonista
La orquesta barroca estaba compuesta de instrumentos variables según la disponibilidad. La orquesta de Monteverdi para su obra Orfeo incluía instrumentos como claves, violas, arpas, violines y trompetas. Para el periodo clásico, la orquesta consistía típicamente en cuerdas, oboes, trompas y timbales, aunque fue incorporando otros instrumentos como flautas y trompetas. En el siglo XIX, Mahler y Strauss dirigieron grandes orquestas con una amplia gama de instrumentos.
La flauta dulce es un instrumento de viento de madera con ocho orificios que se toca soplando a través de la boquilla. Existe en varios tamaños que forman una familia de flautas con tesituras similares a la voz humana. Tuvo gran popularidad en la Edad Media y el Renacimiento, aunque cayó en desuso hasta ser recuperada en el siglo XX para interpretaciones de música antigua.
La flauta dulce es un instrumento de viento muy antiguo que fue popular desde la Edad Media hasta finales del Barroco. Aunque su uso disminuyó con el desarrollo de la orquesta clásica, resurgió en el siglo XX para interpretar música renacentista y barroca con instrumentos originales. Existe una gran variedad de flautas dulces que van desde los 15 centímetros hasta los 2,5 metros, aunque las más comunes son la soprano y el alto.
1) La orquesta es un conjunto instrumental compuesto por instrumentos de cuerda, viento madera, viento metal y percusión. Tradicionalmente era dirigida desde dentro por el primer violín o desde el clave u órgano.
2) En el siglo XIX surgió la figura del director de orquesta moderno, que se situaba al frente para coordinar a todos los músicos.
3) El documento explica la evolución histórica de las orquestas y la dirección orquestal desde sus orígenes hasta la actualidad.
La orquesta sinfónica es un conjunto musical grande compuesto por instrumentos de cuerda, viento, percusión. Incluye violines, violas, chelos, contrabajos, flautas, oboes, fagotes, clarinetes, trompetas, trompas, trombones, tuba y percusión como timbales, bombo, caja, platillos. Cada sección aporta un color y función diferente a la orquesta.
Este documento resume información sobre varios instrumentos musicales como el violín, piano, violonchelo y bandoneón. Describe orígenes, características y desarrollos de cada instrumento a través de los siglos. El violín se perfeccionó en el siglo XIX, el piano evolucionó a partir del clavicordio en el siglo XVIII, el violonchelo tardó más en popularizarse que el violín a pesar de aparecer al mismo tiempo, y el bandoneón fue inventado en Alemania en la década de 1830.
Este documento describe los instrumentos musicales más comunes utilizados durante el Renacimiento en Europa. Explica que los instrumentos de viento como el sacabuche, cornetto y órgano, así como instrumentos de cuerda como el laúd, vihuela y clavicémbalo eran populares. También menciona brevemente instrumentos de percusión como la pandereta. Proporciona detalles adicionales sobre algunos instrumentos específicos como su construcción y uso.
El documento describe los instrumentos musicales más comunes durante el Renacimiento en Europa. Detalla los instrumentos de viento como el sacabuche, cornetto y órgano portativo. Explica los instrumentos de cuerda pulsada como el laúd y vihuela, e instrumentos de percusión como la pandereta. Proporciona detalles históricos sobre el uso y desarrollo de estos instrumentos durante este periodo musical floreciente.
Este documento describe los diferentes tipos de instrumentos musicales, incluyendo idiófonos, membranófonos e instrumentos de percusión. Explica que los idiófonos producen sonido a través de la vibración del propio cuerpo del instrumento, mientras que los membranófonos lo hacen a través de la vibración de una membrana. También detalla la gran variedad de instrumentos de percusión que existen y su creciente incorporación a la orquesta a lo largo de los siglos.
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El documento describe diferentes instrumentos musicales de cuerda. Explica que el violín es el miembro más agudo de la familia de los cordófonos de cuerda frotada, y describe sus partes principales. También describe la viola, el violonchelo y el contrabajo, que son otros miembros de esta familia. Por último, describe el piano, que pertenece a la familia de los cordófonos de cuerda percutida.
El documento presenta información sobre varios instrumentos musicales medievales como el laud, vihuela, organistrum, viola, salterio y rota. Describe sus características, orígenes históricos y representaciones en obras de arte como el Pórtico de la Gloria de la catedral de Santiago.
El documento describe la música del periodo Clasicismo, que se desarrolló entre 1750 y 1827. Los compositores más importantes fueron Haydn, Mozart y Beethoven. Se caracterizó por la importancia de la melodía, la forma sonata y la orquesta clásica. Géneros como la sinfonía, sonata y ópera alcanzaron su máxima expresión durante este periodo.
El documento describe la música del periodo Clasicismo, que se desarrolló entre 1750 y 1827. Los compositores más importantes fueron Haydn, Mozart y Beethoven. Se caracterizó por la importancia de la melodía, la forma sonata y la orquesta clásica. La música buscaba la belleza, el equilibrio y la razón propuestas por la Ilustración.
El documento resume la música del periodo Clasicismo, que abarca desde 1750 hasta 1827 e incluye compositores como Haydn, Mozart y Beethoven. Se caracteriza por una música equilibrada, melódica y accesible para la nueva clase burguesa, con formas como la sonata y predominio de instrumentos de cuerda y viento.
Este documento resume la historia de la dirección de orquesta. En el siglo XIX surgió la figura del director como único líder de la orquesta debido a la creciente complejidad musical. Anteriormente, la dirección estaba dividida entre el clavecinista y el concertino. Con el tiempo, la dirección individual se impuso para poder dirigir orquestas más grandes. El uso de la batuta también se popularizó para facilitar la dirección.
Niccolò Paganini (1782-1840) fue el violinista más famoso y extraordinario de todos los tiempos. Su técnica innovadora influyó en compositores posteriores como Liszt, Brahms y Rachmaninov. Paganini era capaz de interpretar obras de gran dificultad con una sola cuerda de violín y despertaba asombro por su habilidad técnica y capacidad de influir en las emociones de los oyentes. Sus obras más conocidas son el Concierto para Violín No. 2 y el Capricho No. 24 para Violín
Similar a Los violines de Mozart y un recibo de Florencia (20)
1. 1 / 12
Pierluigi Ferrari
Los violines de Mozart y un recibo de Florencia, o sea:
“con instrumentos originales” no siempre es mejor
video de Mozart, Sinfonía en Re mayor n. 38 “Praga” K 504, III Presto. Terminada en Viena el 6 de
diciembre de 1786. El copyright del video es 2001.
Estoy seguro que habrán notado instrumentos algo diferentes a los que estamos acostumbrados a ver en las
orquestas hoy en día.
Elegí algunas imágenes del video:
Cornos naturales (sin válvulas) Trompetas naturales (sin pistones)
Flautas y oboes todavía sin la mecánica completa, solamente con algunas pocas llaves
Timbales con parches naturales y con “extrañas” baquetas
Contrabajos con trastes
y los otros instrumentos de arco ¿se parecen a los violines, violas y violoncelos modernos? O ¿presentan
características típicas de instrumentos más antiguos?
Parecerían instrumentos modernos: el mango (o brazo) llega bastante alto sobre la tapa; el batidor (o
diapasón) es bastante largo, etc. [voy a tratar cada vez de utilizar las diferentes nomenclaturas de las partes
para que no haya equivocación].
De las otras características es difícil hablar; lo ciertos es que montan cuerdas de tripas, por lo menos las
más agudas
violín con cuerdas de tripa: una cuerda metálica nunca se podría doblar, amarrar, de esta manera …
¿Por qué en este concierto se utilizaron instrumentos antiguos?
¿Por qué los violines no parecen muy diferentes de los modernos?
¿Cómo era el violín en la época de Wolfgang Amadeus Mozart?
¿Cómo era el violín de las épocas posteriores a Mozart?
¿Para tocar la música de Mozart hay que utilizar un instrumento barroco o un instrumento moderno?
Estas son las preguntas centrales a las cuales quisiera contestar mi conferencia.
2. 2 / 12
“con instrumentos originales”
El redescubrimiento de la música antigua empieza ya en el siglo XIX con una histórica ejecución de la
Pasión según San Matteo preparada y dirigida por Feliz Mendelssohn-Bartholdy en 1829. En aquella ocasión
el compositor aportó importantes modificaciones a la partitura original y utilizó medios típicos de su propia
época: coro muy grande, orquesta sinfónica con los instrumentos habituales etc.
Sin embargo desde finales del mismo siglo XIX y más y más a lo largo del siglo pasado los intérpretes
dedicados a la ejecución de música antigua empezaron a creer que era necesario interesarse a las sonoridades
típicas de aquellas épocas y por lo tanto a los instrumentos y a las técnicas de ejecución contemporáneas a la
música ejecutada.
[Dicho de otra manera decidieron que la música además de ser un sistema organizado de alturas y
duraciones es también sonido, sonoridad, y que no es muy coherente transformar pesadamente esta
característica.]
Al principio la práctica de utilizar instrumentos antiguos tuvo que ver principalmente con la música de la
Edad Media y del Renacimiento, luego con la música Barroca, pero en los últimos tres, cuatro, decenios esta
exigencia se ha extendido hasta incluir la música de la época clásica y Romántica.
Un libro que se interesa precisamente del revival de la música antigua señala como muy importante un
acontecimiento de los años ’80: la grabación siguiendo la llamada práctica filológica de las sinfonías de
Mozart.
De esta manera, oraciones como “con instrumentos originales” o con “instrumentos de la época” se han
transformado casi en una “obligación” en las portadas de ciertas grabaciones. Algunos ejemplos:
Normalmente se especifica con cuales instrumentos tocan los músicos
instrumentos de la época o copias modernas de instrumentos originales …
A veces incluso se ha creído necesario explicar con detalles cuales fueron los criterios para elegir este o
aquel instrumento
concierto para clarinete, para oboe, los conciertos para corno
Después de esta breve introducción regresamos a nuestro tema central: el violín en la época de Mozart.
3. 3 / 12
Los violines de Mozart
Visitando la casa natal de Wolfgang Amadeus Mozart en Salzburgo, actualmente Mozart-Museum, se
pueden admirar objetos personales que pertenecieron al compositor incluyendo instrumentos musicales,
como un pianoforte Walter, su clavicordio y tres instrumentos de cuerda: un “Kleingeige” (violín pequeño),
un violín y un viola.
exposición anterior
exposición actual
Para quien esté familiarizado con violines antiguos, los instrumentos que pertenecieron a Mozart
presentan características diferentes, más propias de instrumentos modernos; de hecho todos los instrumentos
fueron modernizados o actualizados para poder seguir en uso en la cambiante música sinfónica.
texto varias páginas; Marco Tiella y Luca Primon inspeccionaron los instrumentos y los arcos el día 11
de diciembre del 1989, el análisis se publicó en la obra Strumenti per Mozart, Longo Editore, 1991.
No creo que sea necesario comentar nada más sobre los instrumentos: las palabras son bastantes claras,
por lo menos si las traducimos al español. Los investigadores proponen los perfiles del violín y de la viola
que pertenecieron a Mozart y los comparan con instrumentos realizados después de su muerte para evidenciar
el parecido.
Además el libro muestra la anterior exposición de los instrumentos apoyados sobre una tela de terciopelo,
exactamente como en mis fotos.
¿La música de Mozart tiene que tocarse con estos instrumentos? Según los investigadores simplemente
no, ya que ellos fueron modificados, de hechos modernizados, posteriormente.
Sin embargo, como recuerdan los mismos especialistas, esto no es un caso excepcional, al contrario: la
casi totalidad de violines, violas y violonchelos construidos todavía a lo largo del siglo XVIII fueron
adaptados a las nuevas exigencias musicales. “Parecchi altri strumenti …”
Así los instrumentos de la familia Amati y de Antonio Stradivari en el Ashmolean Museum en Oxford:
se trata de violines o violas construidos entre el 1614 y el 1716, todos manipulados posteriormente.
¿Cuáles fueron los cambios y las diferencias entre el violín barroco y el violín moderno?
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Es necesario hacer un poco de historia …
El violín barroco, el violín moderno y la “modernización”
Después de la definición de la forma y de la técnica constructiva del violín llevada a cabo por Antonio
Stradivari en las primeras tres décadas del siglo XVIII, la única gran transformación del instrumento fue
aquella generalmente definida como modernización, que involucró principalmente el mango (brazo), el
batidor (diapasón) y la geometría mango-batidor-caja de resonancia.
En los violines barrocos el mango (brazo) se unía a la caja en una línea prácticamente recta: el mango se
pegaba a la caja y la unión se reforzaba con uno o más clavos que desde el interior pasaban por el taco
(bloque) superior y penetraban en el talón del mango.
La inclinación del batidor (diapasón) estaba creada por una cuña de madera o por el mismo batidor
cortado en forma cuneiforme.
La inclinación de las cuerdas sobre la tapa era mínima, el puente era bajo y el ángulo entre cuerda y
puente relativamente amplio. Por lo tanto la presión sobre la tapa no era excesiva y la sonoridad era
moderada.
En el violín moderno el mango (brazo) está inclinado con respecto a la caja y la junta se realiza
ensamblando el mango en el taco (bloque) superior.
Estas diferencias están atestiguadas también por la iconografía musical. Un buen ejemplo, evidentemente
cercano a Wolfgang, podrían ser los dos grabados que acompañan el tratado del padre de Leopold Mozart,
publicado por primera vez en 1756 y luego reeditado en 1769, 1787 y 1800 y también traducido al francés,
holandés y ruso.
O también los retratos de la familia Mozart
Otros testimonios:
- 1741, Willian Hogarth, The Enrag’d Musician, Londres, Tate Gallery
- 1744, Francesco Maria Veracini Sonate accademiche op. 2
- 1752, Francesco Geminiani, Art du violon
- 1761, Giuseppe Tartini, grabado de Carlo Calcinotto
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Son rarísimos los instrumentos antiguos que no hayan sufrido la modernización, entre ellos una viola de
Antonio Stradivari del 1690, que se conserva en Florencia (y que conozco bastante bien): se trata de la viola
tenor que perteneció a un quinteto construido en 1690. Se supone que el instrumento, por cierto excepcional
con una caja de 48 cm de largo (algo casi imposible para un humano normal), se haya quedado intacto
porque muy pronto en Italia desapareció la costumbre del ensamble de cuerda a cinco partes con dos tamaños
de violas, la contralto y la tenore, para das paso al formato del cuarteto de cuerda con solamente una viola, la
pequeña, la contralto.
O instrumentos incluso más antiguos:
Violín de Jacob Stainer, Absam bei Innsbruck, 1668 National Music Museum, antes The Shrine to
Music Museum, Vermillion, University of South Dakota
Viola tenor de Jacob Stainer, hacia 1650. mismo museo
Violín pequeño de Girolamo Amati, Cremona, 1613
Se trata de instrumentos anteriores a Wolfgang pero todavía utilizados en su época. Leopold Mozart dejó
varios testimonios escritos de la supremacía de los instrumentos de Jacob Stainer.
De la época de Wolfgang se puede recordar un violín inglés de Richard Duke fechado 1766, que de hecho
presenta algunas mínimas diferencias.
Esta es la ficha del instrumento:
un poco más grande, un poco más grande y solamente en inglés
Para ejemplificar las diferencias el catálogo muestra tres dibujos que representan la relación mango-
batidor-caja en un violín barroco, en el violín de Duke y en un instrumento moderno
Hay otros particulares que demuestran la originalidad completa del instrumento: por ejemplo la barra de
los bajos (barra armónica) que no está pegada en la tapa sino que consiste en un mayor espesor dejado en la
madera cuando se formó la cavidad de la misma
El pasaje del violín barroco al violín moderno no fue lineal y entre estas dos soluciones constructivas hubo
una serie de intervenciones ejecutadas particularmente sobre instrumentos antiguos.
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La intervención más común, aquella que se denomina propiamente modernización, consistía en inclinar el
mango (brazo) hacia atrás interponiendo dos espesores de madera entre el mismo mango y la caja del violín:
el intento de “animación” y los dibujos son míos
un pedazo sólo ligeramente cuneiforme entre la nuez (parte superior de fondo) y el talón del mango, para
levantar éste sobre la tapa, y una verdadera cuña de madera entre la parte delantera el mango y los aros (fajas,
costillas) superiores para crear la inclinación hacia atrás.
Muchos instrumentos del pasado muestran todavía estas intervenciones (excepto evidentemente los cinco
casos que acabamos de ver y los instrumentos a los cuales se substituyó completamente el mango)
el violín del “Istituto della Pietà” …
Otro caso que hay que recordar es el violín de Antonio Stradivari “Harrison” del 1693:
Puede ser que alguien estuviera preocupándose por estas intervenciones que han modificado los
instrumentos de arco, preguntándose ¿cómo es posible que hicieran esto a buenos violines?
Por favor, no hay casi ningún problema: la siguiente es la foto de la cara interna de la tapa de un
importante violín de la escuela clásica italiana.
Pero regresamos a nuestro camino. Para decidir con que tipo de violín hay que tocar la música de Mozart,
debemos contestar a la siguiente pregunta.
¿Cuándo se empezó a practicar la modernización?
La época en que la modernización empezó a volverse práctica común ha sido indicada hacia finales del
siglo XVIII o principios del siglo XIX como vimos que se afirma a propósito del violín que perteneció a
Wolfgang o del violín “Harrison” de Stradivari.
Esta datación se basa, principalmente, en testimonios italianos: el constructor Antonio Bagatella,1 el
constructor Giovanni Antonio Marchi2 y el Conde Cozio di Salabue, coleccionista y mercante de
instrumentos de arco3.
1
Antonio Bagatella, Regole per la costruzione de’ Violini - Viole - Violoncelli e Violoni. Memoria presentata alla R. Accademia
di Scienze Lettere ed Arti di Padova al concorso al premio delle Arti dell’Anno MDCCLXXXII ..., reproducción facsimilar, Padova,
Zanibon s.f.
2
Giovanni Antonio Marchi, Librum secreti de Butthegha …, transcrito en Euro Peluzzi, Tecnica costruttiv degli antichi liutai
italiani, Firenze, Leo S. Olschki, 1978.
3
Ignazio Alessandro Cozio di Salabue, Carteggio, a cura di Giovanni Iviglia, Milano, Antonio Cordani, 1950.
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Antonio Bagatella afirma en 1782 que “Il modo di piantare il manico è a retta linea …”. Además en la
tavola II el constructor representa un mango definitivamente recto.
texto e imagen
El manuscrito de Marchi, de 1795, es evidentemente un cuaderno de apuntes, muy pequeño 11 x 30 cm, y
de lectura algo difícil un poco por la caligrafía y otro poco por el mismo italiano dialectal, sin embargo
presenta informaciones importantísimas sobre el posicionamiento del mango:
se propone una inclinación de 4 o 5° (prácticamente la inclinación que conserva el violín de Duke) y la
posibilidad de ensamblarlo en el taco-bloque superior aunque se considera suficiente una buena pegadura.
De cualquier manera no se habla de la práctica de inclinar el mango hacia atrás en los violines antiguos
que lo traían recto.
Las informaciones contenidas en los papeles de Cozio de Salabue son infinitamente más importantes y
detalladas. El material es muy variado y comprende registros personales del negocio de compra-venta,
reparación y restauración de instrumentos de cuerdas, y un amplio epistolario con músicos, otros mercantes y
algunas cartas importantes de Paolo Stradivari, uno de los dos hijos de Antonio Stradivari; además los
papeles de Cozio se extienden a lo largo de casi medio siglo presentando los documentos más antiguo la
fecha del 26 de febrero de 1774 y los más recientes la de 1845. La edición moderna de este material ocupa
algo como medio millar de páginas, 515 precisamente.
La figura de Cozio de Salabue es todavía importante en el mundo del comercio de los instrumentos de
arco y existe un sitio que sigue el mercado de los instrumentos “importantes” que casualmente lleva su
nombre.
En sus Memorias, Cozio de Salabue, describe la intervención, llamada ahora modernización, en un párrafo
dedicado al mango e intitulado «Darlo indietro alla moderna» que aparece en el año de 1804; en español
sonaría como “colocarlo hacia atrás a la moderna” [colocar el mango hacia atrás según la costumbre
moderna].4
Como ejemplo de la documentación del conde Cozio quisiera mostrar la página manuscrita del primer
registro del violín Messia de Stradivari, 1716, el que ahora está en el Ashmolean Museum de Oxford (p.
211).
4
Cozio di Salabue, Carteggio cit., p. 104, «Darlo indietro alla moderna».
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Quise empezar con esta página porque trata de un instrumento que ya hemos visto y porque, obviamente,
contiene un testimonio de la práctica de la modernización.
En muchos otros casos las anotaciones de Cozio son todavía más específicas. Por ejemplo, tratando de un
violín de Andrea Guarneri del 1658, Cozio anota el día 29 de mayo de 1816:
Para complicar un poco las cosas hay que aclarar que la ciudad de Cremona mantuvo por siglos dos
sistemas de medidas: uno propio con el “brazzo” pequeño que correspondía a 484 mm (la barra de hierro se
encuentra todavía en la base del Torazzo del palacio del ayuntamiento), y el que le tocaba por ser parte del
ducado de Milán: el brazzo milanés que medía 594,9 mm. En ambos casos el “pollice” era una doceava parte
del “brazzo” y el “punto” una doceava parte del “pollice”.
Calculando con ambos sistemas de medidas:
cremonese: punto = 3,4 mm: la cuña tendría un ancho máximo de 6,7 mm, y el mango se subiría de 1,7 mm
milanese: punto = 4,1 mm: la cuña tendría un ancho máximo de 8,2 mm, y el mango se subiría de 2 mm.
No es posible decidir cual medida utilizaba Cozio de Salabue, pero puede ser interesante recordar que la
cuña añadida en el violín del “Istituto della Pietá”, visto anteriormente, tiene un ancho de 10 mm.
El mismo día Cozio registra también un violín Stradivari del 1736
El número reducido de las intervenciones recordadas por Cozio y la anotación “a la moderna”, habían
llevado los investigadores a suponer que la modernización hubiera empezado poco tiempo antes del
testimonio recordado.
Sin embargo, como veremos en unos momentos, no había sido así.
Nuevos datos sobre la modernización
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En mis investigaciones sobre la historia de la colección de instrumentos musicales que perteneció a la
familia Medici y luego a los Lorena, tuve la suerte de encontrar interesantes documentos sobre la práctica de
la modernización, testimonios que cambian notablemente la cronología que se proponía hasta hace poco.
El documento más antiguo que habla de “dar il manico indietro” (colocar el mango hacia atrás) se remonta
al año 1733.
El 19 de diciembre de aquel año, Pietro Mazzetti, responsable de la colección de instrumentos musicales
de la familia Medici, presenta una cuenta a la Guardaroba General y pide le sean rembolsados los gastos para
los trabajos realizados sobre dos violines de la colección.
ASF, GM, 1399, c. 877, n° 414
Adi 19 Nbre 1733 / Pietro Mazzetti
La guardaroba generale di s.a.r.e deve dare à mè Pietro Mazzetti custode / delli strumenti della r.a.s.
Per aver rassettato due violini di Jacob Stainer di comandamento di / s.a.r.e, rifattovi due tastiere, due
cordiere, due ponticini e due mute / di bischeri d’ebano restaurati di vernice, datoli il manico indietro, / rivisti
di grossezze, e messovi le corde di nuovo, in tutto £ 28 – –
En español:
El día 19 de noviembre de 1733 / Pietro Mazzeti
La guardaroba generale de Su Alteza Real tiene que dar a mí Pietro Mazzetti encargado / de los
instrumentos de la Real Alteza Soberana. / Para arreglar dos violines de Jacob Stainer a petición de / Su
Alteza Real, hacer dos batidores nuevos, dos cordales, dos puentes y dos juegos / de clavijas de ébano,
restaurar el barniz, colocar el mango hacia atrás, / arreglar los espesores y poner cuerdas nuevas, en total …
Jacob Stainer había sido un afamado luthier de la ciudad de Innsbruck cuyos instrumentos por algún
tiempo hicieron competencia a los mejores de las escuelas italianas de Brescia y de Cremona, y que ahora se
consideran ejemplos característicos de la lauderia barroca europea.
Esta única y aislada intervención parece de verdad algo extraordinario por su fecha tan temprana; como se
dice “una golondrina no hace primavera”
Sin embargo, en 1765 la casi totalidad de los instrumentos de arco de la colección del Gran Ducado de
Toscana -ahora gobernado por Leopoldo Lorena, posteriormente emperador- fueron modernizados por los
hermanos Lorenzo y Tommaso Carcassi.
La cuenta presentada por los dos artesanos es particularmente larga, quisiera sólo mostrar la sección
dedicada a los instrumentos de arco y luego detenerme sobre algunas anotaciones.
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Leer la intestación luego correr las imágenes con algo de tiempo, en caso subrayar leyendo los
instrumentos involucrados
Algunos ejemplos:
c. 1
Per aver rassetto un violino di Niccolaus Amati di Cremona n° 3655 / scoperchiato, dato il manico indietro
rifatto la tastiera, e impiallacciata / di ebano, corde, e ponte, e allungato la cassa “ 9––
“Por haber arreglado un violín de Nicoló Amati de Cremona, número 3655 / haber quitado la tapa,
colocado el mango hacia atrás, / haber hecho el batidor nuevo y chapado / con ébano, cuerdas y puente nuevo
y alargado la caja.”
c. 2
Per avere rassetto una viola di Ant Girolamo Amati di Cremona, / 1611 scoperchiata, dato il manico
indietro, rimesso la catena, / corde, e ponte “ 8––
“Por haber arreglado una viola de Antoio Girolamo Amati di Cremona / del 1611, haber quitado la tapa,
colocado el mango hacia atrás, / haber puesto nuevamente la barra armónica, las cuerdas y el puente”
Que el documento presente la misma categoría de intervención efectuada en el 1733 por Pietro Mazzetti y
recordada por Cozio de Salabue sólo a partir del siglo XIX es indudable.
Hay que aclarar solamente una cosa: cuando el documento habla de alargar la caja se refiere al estuche no
a la caja del instrumento.
La cuenta enumera un total de 35 instrumentos: de estos todos los violines y todas las violas sufrieron
intervenciones de modernización, excepto la viola tenor de Stradivari, ya no utilizada y que ni siquiera
aparece en la cuenta.
Por lo que atañe a los seis violoncellos, a todos se substituyó la barra armónica, el violoncello del quinteto
Stradivari necesitó un refuerzo abajo del alma, y en dos instrumentos fue necesario intervenir para «far
ritornare le culvazioni che eron indentro» (hacer regresar las curvas [las bóvedas del fondo y tapa] que
estaban hacia dentro).
Es interesante subrayar que ningún violoncello de la colección sufrió intervenciones sobre el mango, por
lo menos hasta el 1791.
En este año una cuenta de Giuseppe Carcassi se refiere a los violoncellos:
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Esta cuenta es menos clara que la anterior: se habla de «stacchato e riatacchato il manico in buona forma e
fatoli tutto cio che gli bisogniava»
(“quitado y colocado de nuevo el mango en forma apropiada y hecho todo lo que era necesario”).
Sin embargo, documentos de algunos años posteriores son al contrario clarísimos al respeto e indican sin
duda una verdadera operación de modernización.
En 1794, por ejemplo:
Per aver staccato il manico, agiuntovi un pezzo, rialzato dalla positura, e tirato adietro e tiratolo alla sua
grossezza … il tutto ad un violoncello del prete Rocco Doni
No hay mucho que comentar: aquí la operación sobre el mango se describe casi al detalle:
“por haber quitado el mango, puesto una pieza, levantado de su posición [sobre la tapa], y hecho hacia
atrás, y arreglado de su grosor … todo eso a un violonchelo del cura Rocco Doni.
A este punto surge una duda: ¿por qué la práctica de modernización, ya atestiguada en la ciudad de
Florencia en una época tan temprana como el 1733, se aplica a todos los violines solamente hasta el 1765?
Para contestar a esta pregunta ni siquiera los documentos de archivo son suficientes, pero la explicación es
verdaderamente sencilla: este “retraso” no dependió de circunstancias musicales sino políticas.
En 1737 había muerto Gian Gastone, el último descendiente de la familia Medici, y el Gran Ducado había
pasado a los Lorena, pero no fue hasta el 1765 que el nuevo Gran Duque Leopoldo (posteriormente
Emperador) se mudó a Florencia.
Todas las actividades artísticas de la corte, incluyendo las musicales, fueron casi olvidadas entre 1737 y
1765, pero antes de la llegada del duque alguien se encargó de reactivarlas.
¿Qué podemos aprender de la lectura de estos documentos?
a – la práctica de la modernización de los instrumentos de la familia del violín es sin duda muy anterior a
lo que se suponía; en el caso del violín se puede considerar que empezó en la primera mitad del siglo XVIII
b – en aquella época, la ciudad de Florencia estaba entre las “periferias” musicales de Europa y es mucho
más probable que esta práctica haya llegado ahí desde otros lugares de que se haya originado en la ciudad.
Y para concluir nuestro recorrido: ¿qué pueden enseñarnos los documentos sobre los instrumentos que se
utilizaron para la ejecución de la música de Mozart?
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Si consideramos nuestro entendimiento de la música del primer clasicismo es evidente la contundencia de
estos documentos: los músicos que tocaron las obra de Haydn, Mozart e incluso el primer Beethoven
seguramente ya estaban utilizando instrumentos de arco modernizados.
Las dichosas ejecuciones filológicas de esta música con instrumentos barrocos (o copias), no reflejan por
lo tanto la realidad histórica.
A propósito de Mozart quisiera sólo recordar que él mismo tocó para la corte toscana en la Villa de
Poggio Imperiale el 2 de abril de 1770, con Pietro Nardini, el primo violín de la orquesta de la corte, y a la
presencia del marqués Eugéne de Ligniville, sopraintendente de la música de la corte.
¿Alguien podría creer posible que el concertino y el responsable de la música de la corte no hayan querido
lucir los preciosos instrumentos de la colección?
Falta una última consideración porque todos parecerían estar contentos, excepto … los contrabajistas.
Vimos en el video contrabajos con trastes, ¿se acuerdan?
Las únicas intervenciones registradas sobre los contrabajos de la colección que yo conozca son del siglo
XIX.
Adi 16 maggio 1823
Per avere levato i tasti, e messo quattrordici pezzetti di ebano p riturare le buche della tastiera; / rialzato il
ponticello, rifatto il capotasto di avorio, rincollato in diversi luoghi, e ripulito £ 16 – –
“por haber quitado los trastes y puesto catorce pedacitos de ébano para tapar los huecos en el batidor; /
hecho más alto el puente, hecha nueva la cejilla superior de marfil, pegado en diferentes lugares y limpiado”
Así que en práctica, por lo menos en Florencia, casi todas las sinfonías de Beethoven se estrenaron con
contrabajos que todavía utilizaban trastes.
Gracias, sobre todo por la paciencia …